「役作り」って何から始めればいいの？ テアトル演技講師・畠山真弥先生に聞く、自分と相手を受け入れる“ベースづくり”の方法

それで言うと、少し前に、いわゆる「オネエ」の役をやったことがあったんですよ。

そうですね。でも、キレイな「オネエ」の人になりたいなと思ったんです。オネエの方というと、すぐに思いつくのは「～かしら」「やだ！」といった口調ですけど、そういった表面的な喋り口調だけを真似しても、役の中身には入っていけないですよね。

まずは「この人は何のために何をしに、この場面に出ていくんだろう」という「目的」を考えるんです。だから役のもうちょっと長い人生を考えて、「この人は、こんな出来事があったから、その結果としてこういうふうになりたくて、だからこの場面でこれをしに行くんだ」ということを考える、ということですね。

そうですね。もうひとつは「誰に向かって喋っているのか」を考えます。それは、その役のセリフを受ける相手役との関係性を考える、ということです。まずは、相手がお母さんなのか妹なのか、などですね。
あとは「怒ってる人が怒ってる人に喋るのか」というような、シーンでの心理的な関係性です。「助ける人→助けられる人」「好きな人→嫌ってる人」とか、そういった人物どうしの心理的な関係性で演じ方が決まってくるんですが、僕はそれを「居方（いかた）」と言っています。

たとえば好きな人を前にしているのであれば、「好きな人の前だから緊張している」とか、「好きな人の前だからかっこよく見せようとして、わざとこんな風にしてるのか」とかってことですね。

そこにどんなふうに座っているのか、立っているのかを決めると、呼吸が変わってくるというか、決まってくるんですよね。

そう、呼吸です。これは説明だけだとちょっとわかりにくいので、ちょっと動画でやってみましょうか。

「そこにどんなふうに座っているのか、立っているのか」を決めると、ちょっと呼吸が変わったりして、そうすると場面がちょっと動いたりしますね。
そして実際に他の役の人と演じてみると、一人では見つからなかったことが突発的に閃いたり、新しい関係性が生まれたりして、場面ができあがっていく、という感じですね。

もちろん、家で一人で本（＝台本のこと）を読んで、考えておくことは大事なんです。
でも現場でそれだけをやろうとすると、相手役の出方が想定と違ったりして、「こうじゃない！」「俺はこう言ったらこう動くはずだったのに」「失敗した」……というふうになってしまいます。

そうですね。家で下ごしらえして準備して、現場に行くと、思いもしなかったことが、いいアクシデントとして生まれて、生きた場面ができていくんですね。
それで、終わってから「自分の役はこういう役なのかな」ということが結果として見えてくる。舞台だと、長い稽古期間があるので、「今日はこうだったな」というのが翌日、また翌日と繋がっていく良さはありますね。

そういう感じですね。家でセリフを覚えていくのはもちろん大事です。セリフの準備が足りていないと、ちゃんとセリフを扱えなくてそっちに気持ちを支配されてしまって、失敗しちゃいますからね。でも、覚えていくのは大事だけど、あんまり「このセリフはこうだ」っていう解釈を決めすぎない、ってことですね。

どんなふうにも対応できるようにしておくのは大事ですね。自分が「おはよう」というセリフを言ったら相手はこんなふうに「おはよう」って言ってくるだろうという予想をしても、大体その予想は外れますからね。
そこで思っていたのと違う「おはよう」というセリフが返ってくると、その後のセリフを自分の練習したとおりにやろうとしても、どんどんチグハグに噛み合わなくなっていってしまいます。

そうですね、自分がセリフを喋る原因や理由を、「相手から取る」というイメージですかね。アメリカの古い演出家でサンフォード・マイズナーという人がいるんですが、彼が「マイズナーテクニック」というものを開発しているんです。
それは要は、自分から発信する＝自己発信ではなくて、衝動を起こすものを相手から取ってくる、というものです。

相手が何を出しているのか。「イライラしてるんだな」とか「のんびりしてるんだな」とか、「早く帰りたがってるんだな」とか、「昨日のことを怒ってるんだな」とか、相手が何を考えながらそのセリフを喋っているのかを、相手から見つけるというものですね。
たとえば、お互いに「黒い服を着ている」「黒い服を着ている！」というセリフばっかり言うわけですよ。で、だんだん「しつこいな」と思ってイライラしてくる。アメリカ人どうしでそれをやると最後は「フ◯◯ク、ユー！」で終わるらしいんです（笑）。

それで、終わった瞬間に演出家が俳優たちに「どうだった？」って聞くわけです。そうやって俳優に「あのあたりのタイミングで自分の気持ちがこう怒っていったのがわかって、相手が宥めるようにしてきたから、その姿を見てまた怒っちゃって……」ということを冷静に振り返らせてみる。そういうことをやることによって、だんだんいい演技につながっていくと。

あとは、いま僕は「即興」をテーマにしたレッスンをやっているんです。そこで基本中の基本になるのは「相手を否定しない」ということなんですね。

相手が言ったことを「いや、それは違うよ」と言ってしまうと話が転がっていかなくて、止まってしまうんです。だから「あ、そうだね」「そうだったっけ」といふうに、とにかく相手に乗っかっていく。これが即興演技の基本ですね。

そうですね。まずは自分の声を聞くことができないと、相手の声を聞くことができないかなとは思います。

芸能の世界だと、「前へ出ろ、前へ出ろ」ということが大事だと思っている人は多いですね。でも……。

そういうわけではないですね。無理なく自分で存在していれば、それの方が勝手に出ていける。ちょっときつい言葉ですけど、「弱い犬ほど吠える」ということもありますよね。キャンキャンキャンキャンと自分が出ていくと、かえって悪目立ちして、逆に目立たなくなってしまう、ということはあると思います。
自分で自分を信用できなかったりしていると、つい前に出ていきたくなっちゃうんですよね。だから、自分を持っていればいいんだろうなとは思います。

そうですよね。

演劇って、「セリフを聞いてストーリーを追っていく」ということが楽しいのではなくて、ストーリーの中で、たとえばある男の人とある女の人が、最初は全然知らない仲だったけど、喧嘩したり仲良くなったり、さらにいろんな人が関わってきて、そこで生まれる「人と人」の感情のもつれあいだったりを見て、そこに自分を当てはめたりして楽しんでるんじゃないかって思うんですね。

そうですね。余計な力が入らないような表現体を作っておくと、スッと入っていきやすいですね。

これはね、ジムでトレーニングしたり、マッサージに行ったりするというのも、そういう余計な、滞ったところを無くすためなんだと思うんですよね。素直に自分の体が反応してくれるように、という。
その反応というのは文字通り筋肉的な部分でもあったりします。そういうところに滞りがないほうが、自由に心のままに、体が動いていくんじゃないかなと思いますね。