スターになるにはアクション俳優を目指すのが近道!? 知られざる”アクション”の世界を、浅井星光先生に聞いてみた

嬉しいです、よろしくお願いします！　日本ではまだまだアクションの地位が低いので、もっと知ってほしいんです。アクションの大切さを広められるなんて、素晴らしい企画です。

来ましたね、その質問。これは私たちも悩むところなんです。いくつか言葉があるんですが、まず「スタントマン」と「アクションアクター」は別物です。
理想は分けて考えない方がいいのですが・・・、スタントマンは一般的なイメージ通り、訓練をうけていない俳優さんが怪我をしないように本当に危険な爆破や飛び降りなんかを担う方たちですね。
アクションアクターは、俳優さん自身がアクションを演じることを指します。
それから、俳優さんのアクション吹き替えをすることは「ボディダブル」と言います。
そして、作品によってはそういったアクションシーンを構成・監修する「アクションコーディネーター」や「アクション監督」が存在します。

アクションコーディネーターはアクションを構築する人です。
アクション監督は、そこからさらに踏み込んで映像編集まで携わって、芝居の全部をアクションの面から統括する役割ですね。「このカット割りにするなら、この手をこういうふうに変えよう」とか。
海外だと、作品によっては全体の監督よりもアクション監督のほうが権限が大きい場合もあります。

専門性が高くて、ダメな場面では「ダメ」と言わないといけない仕事ですからね。そういうふうにジャンル分けされています。
そしてアクションの中身の話をすると、今の日本の制作現場では「殺陣」と「擬闘」をひっくるめてアクションということにしよう、という風潮が強いんです。

「殺陣」といったときは剣を使うアクションで、「擬闘」は素手で戦うアクションですね。
殺陣と擬闘を両方できる人は少ないんです。ただ私としては、その2つを別々に考えてる時点でアクションじゃないと思っちゃうんですよね。

剣や銃という“武器”も腕の延長です。身体の全部が武器であって、身体が使えるから武器が使えるというのが本当のアクションだと思うんです。
でも、これを言うと、「あなたが両方できるからそう言えるんだ」って言われちゃうこともあって、なかなかこの考え方を広げられていないんですが……。

そうですよね。そしてこうやって整理してようやく、最初の質問「アクションとは何を指すのか」に答えることができるんですが、私の中では「芝居をベースにした総合芸術」です。肉体の隅々まですべてを使って、感情を表現するもの。
お芝居は何でできてるかと言ったら、感情のドラマでできています。人を殴るシーンなら殴るまでの経緯、拳をグッと握る瞬間の表情で怒っているのか悲しみながら腕を振るっているのかが見える。そこがドラマを見せるうえで大事なものだと思ってるんですね。それがなかったら試合になってしまう。

初めて人を殴る場面なら、殴った後にどういう表情になるのか、手が痛いならそれをどう表現するのか。そういう細やかなところまでお芝居が行き届くからこそ、観る人の心がつかめると思うんです。戦っている姿を観て悲しくなったり切なくなったり、そういう感情を呼び起こせる。

人を突き飛ばすシーンなら、なぜ突き飛ばしたのか、表情が映っていなくても拳や腕に表情があるはずなんです。そこに憎しみや復讐心があるのか、絶望があるのか、それによってドラマが引き締まるんですね。
そしてそういうときに、安全に行うのもアクションなんです。本当に突き飛ばしたら怪我をさせるじゃないですか。そうじゃなくて、圧をかけずに安全に突き飛ばす。そういう動きひとつひとつがアクションです。

そう、技術です。物を投げるとき、映像だと画角的に必要な角度というものがありますよね。アクションをやっている人は狙ったところに自在に投げられるんです。手から物が離れた、その先まで責任を持つ。意外と気づかれていないですが、いわゆる「アクション映画」ではない作品でもアクションシーンって山ほどあるんですよ。

たとえばドラマでよくある、DVのシーンです。

「さぁ、やるぞ」って戦うよりも、腹が立って自然に蹴ったり殴ったりするほうが難しいんです。気持ちが入りすぎて相手に当ててしまう可能性が高いから。

そうなんです。そこで俳優さんがアクションをやっていれば、当てないように訓練を受けているので大丈夫なんですが、日本はなかなかそうなっていない。

人によりますね。アクション監督という存在に重きを置いている監督の現場はちゃんとしています。
以前、NHKのドラマでものすごく激しいDVのシーンがあって、本来はボディダブルはやってないのですが、光栄なことにお世話になっているアクション監督さんからのご指名で、勉強させてもらいました。
髪の毛を掴まれて壁に投げつけられて、棚に倒れ込んで置いてある瓶を全部壊したり、テーブルに叩きつけられて向こう側に転がったり。

そう、危険でしょう。重視してくださる監督は、そういう場にちゃんとアクションコーディネーターやボディダブルを呼んでくれるんです。でも大半の現場では「なんとなくこんな感じで殴って」って監督が言ったらそのままスタッフさんが伝えて、おしまい。
もし滑って転んだときにこの角度だったら危ないとか、こうやれば失敗しても大丈夫、というのをわかってらっしゃらないんですよね。私はそれを変えたいと思っています。アクションに携わっている人たちは皆さんそう思ってらっしゃるんですけどね（笑）。

『あずみ』は、「アクションやったことない女の子がいるから、指導してくれない？」ってお話をいただいて現場で色々とお手伝いをしました。『あずみ』のようにアクション経験のない方への指導で関わったり、場合によっては私自身がボディダブル（吹き替え）をする時もありますね。

私の場合は、キャラクター設定と、役者さんがどういうふうにお芝居したいのかを綿密にうかがって、「その性格、キャラ設定、武器の特性を活かすとしたらどう闘うか」「それに対して、受ける側はどうか」というところから組み立てていきます。これは私が俳優だからなんでしょうね。そうやってつくる方は少ないみたいです。

アクションをつくるときは「Vコン（VTRコンテの略）」をまずつくります。それをもとにカメラマンさんと監督とディスカッションしながら「こうしよう」「こう動こう」と決めていきます。

殴られるほうも、ひたすら丸まって耐えるのか受けて対抗するのか、キャラクターによって違いますよね。そこを計算して監督に「ここでこういう表情を入れてほしい」「ここで拳だけ握ってほしい」というような相談をします。それがないと、感情のない格闘シーンになってしまうから。それなら試合を見た方がいい！ にならないように、セリフがないところでどう表現するか、それを念頭に置いてアクションのカットをどう入れてもらうかを監督に提示していくんです。

そう、カメラワーク！ これは本当に大事で、アクションをやるなら全部理解しておかないとダメなんです。

もう計算ですね。カメラがどう動いてるのか、アクションを演る人は常に意識しています。「カメラがこう来るならこっち側に入らなきゃいけない」「主人公に被らないよう、主人公が素敵に見えるようにうまく倒れるにはどっちの角度がいいか」とか。そのうえで相手に怪我をさせないようにするところまで含めて、技術ですね。

『るろうに剣心』の谷垣健治さん（※1）なんかは、カメラマンさんが対応できないシーンは自分でカメラ持っちゃうんですよ。『るろ剣』で屋根の上を走るシーン、谷垣さんが自分でワイヤーに吊られて撮ってますからね（笑）。

カメラによってコマ数が違う（※2）ので、事前にどのカメラを使うか確認して、そこに合わせた手の付け方を考えます。

コマ数が少ない場合には、かえって丁寧に動いてもらいます。早回しすると、不自然になりますし、コマ数が少ないのに、コマを抜くと動きが飛びすぎて不自然だったり、かえって、迫力がなくなったり…。
コマ抜きは、早回しと違って、不自然じゃなくスピードが上がるんです。
スーパースローは、めちゃくちゃスローになるので、あえて早く動かず、わかりやすくゆっくりめに動くようにします。
カメラの性能が上がると、鮮明に捉えてくれるので、風景などはとても綺麗で良いのですが、アクションになると、画面が綺麗すぎて、粗い画面よりも迫力がなくなってしまうこともあるのですが……そこは監督とカメラマンにお任せなところです。

舞台を見に来る方って、お目当ての人、いわゆる“推し”がいることがほとんどじゃないですか。

出演者とファン層を考えて、同時に何十人が戦っている場面でも「この視点からだとこう見えて楽しい」「この座席だとこういう表情が見えるんだ」ってお客さんに思ってもらえるようにスパイスを入れていくんです。そうした工夫がリピーター獲得につながるんですよね。他の殺陣師の方には「そんなこと考える必要ない」と言われてしまったりしますが、こういうふうに考えるのは、私自身がオタクだからかもしれませんね。

私もそういった作品に関わることがありますが、なかなか大変です。道具ひとつとっても、竹光ではなくて「ジュラルミン製のものを使いたい」と言われたり、「めちゃくちゃ重い銃を使いたい」と言われたり。
ヴィジュアルにこだわるのは大切なことですが、衣装も含めて大変な重さを背負ってアクションをするなんて、やったことない人にはまず無理です。そういう現場では、私はすごく戦います。「制作費が高く付く」と言われても、「人間１人が壊れるほうが高いんですよ」って。

宝塚の殺陣をつけたこともあるんですが、マントや衣装の映え方をすごく重視しました。『All for One～ダルタニアンと太陽王～』（月組公演／2017年）という三銃士モノで、剣闘のシーンではレイピアを構えたら必ず肘でマントを「ザッ」とやるんですね。そうするとお客さんは「かっこいい！」って思うじゃないですか。私も「かっこいい！」って思いました（笑）。

それと、女の子には特に転び方を重点的に教えます。「やられの美学」ってあるじゃないですか。どんなやられ方が気の毒に見えるか、そこからどうやって復活するのか。舞台『マギアレコード 魔法少女まどか☆マギカ外伝』（2018年）で日向坂46の子たちのアクションコーディネートをしたときには、そこを懇懇と伝えましたね。みんなハマって転び方の練習ばっかりしてたんで、「武器も使おう、やられてばっかりじゃないよ」って言いました（笑）。女の子はヒールやスカートの衣装が多くて、また別の難しさがあるんです。

そういう作品で男性が女性の役者に指導すると、特に剣を使うときが顕著なんですが、ガニ股になっちゃうんですよ。男性はヒールを履いたことがないので、そこで生まれる動きの制限を知らないんです。結果、おかしなことになる。
だから私、男性の殺陣師が困ってるところに呼ばれてアドバイスを求められて「ここはヒールなんで重心が違います」とか「こっちの手のほうがいいです」とかお話をしたり、「もっとこうしたら、女の子としての強さが出ていいと思う」などのアドバイスをさせてもらったりします。

女性がすごく少ないんです。監督としてのクレジットで仕事をしてるのは、もしかしたら私くらいかもしれません。

よくぞ聞いてくれました、そうなんです。私のアクションの仕事の契機はゲームなんです。

「空手を全面に押し出したらいいよ」と萩本欽一さんに言われて、アクション作品のアーケードゲーム『ラストブロンクス』（1996年発売）の実写版のオーディションを受けに行ったら、アクション監督さんが父のことを尊敬してくださっていて（※3）、オーディションで蹴りを一発、見せたら「浅井さんって……哲彦さんの娘さんですか？」って。だから父の名前で受かったようなものですね。26歳の頃です。それまではタレントもやっていたんですが、そこで出会ったアクション監督・高橋伸稔さんに師事して、アクションへと完全にシフトチェンジしました。

『ファイナルファンタジーVIII』（1999年）の当時は、モーションキャプチャーの格好がすごかったんです！　自前の五分丈スパッツに黒Tシャツ、水泳帽に髪の毛も全部入れて全身ぴっちりさせて、そこにガムテープでマーカーを装着するんです。恥ずかしかったですね。モブも含めて、ほとんどの役をやりました。

そうなんですよ。だから短パンにスパッツだったんでしょうね。前例がないから。

そうそう。現場でも「空から何か飛んできてびっくりした、みたいな動きをしてください」「いや、何が飛んできたのか言ってください！　大きいものですか、小さいものですか？」「ごめんごめん、隕石」「隕石!?」って。そんなアバウトなことある？　って思いました。
別のゲームでは、椅子に座らされて「これ、私は何に乗ってるんですか？」って聞いたら「プテラノドンです」って（笑）。でも私、ゲームオタクなんでめちゃくちゃ楽しかったです。

大好きです。だから技を現実にするのが得意だったんでしょうね。

私としては、普通のアクションより難しかったです。『ファイナルファンタジーVIII』がそうだったんですけど、高い坂の上から転がって落ちるシーンなんですが、普通はゴロゴロ、ドーンって転がるから痛みが抜けるんですけど、女子のキャラクターなので内座りになって「てへっ」とリアクションしなきゃいけない。
「もっと首をこっち側に振ってくれ」「可愛く！」って言われても、「限界です！」みたいなこともよくありましたね。

はい。ゲーム好きだからこそ、そういう技を人間でどこまでできるか体現したかったんですよね。なおかつ、例えばゲームの中で槍を持つシーンがあったら、「こういう動きにしたほうが緊迫感が出ますよ」というように提案させてもらいながらやっていました。ちょっとしたことで見え方は全然変わりますから。

時田貴司さん（※4）なんかはすごく喜んでましたね。
モーションキャプチャー、一番好きな仕事ですね。自分がモーションキャプチャーをやったゲームをプレイするのは特別な喜びがありますから！

今でもやりたいので、お仕事待ってます。

志す人は増えていると思います。でも、どうやって入ってきたらいいのかわからない人が多いと思うんですよ。私はフルオープンなので、いつでも訪ねてきてほしいです。テアトルアカデミーには「アドバンスクラス」というのがあって、これは外部のタレントさんも通えるオープンな仕組みなんです。ここでアクションアクターズクラスをやっているので、興味があったら門を叩いてほしいですね。

去年の12月には、テアトルアカデミーと日本芸能技術検定協会が一緒に組んで「アクションアクター検定」をつくりました。アクションアクター、つまり俳優さん向けの検定なんですが、子どもからお年寄りまで受けることができるので、ぜひ挑戦してほしい。
アクションができるというのは、つまりカメラワークをわかるってことなんです。お芝居をやる上での基礎的な部分を身につけることができますから。

海外では吹き替えを使わずに自分でやりたいという俳優さんが多いんです。実際、そのほうがマルチにできるようになりますからね。日本はなかなかそうならなくて……。
「アクション俳優」というとガチで戦うイメージが強いからかと思うんですが、ガチンコで戦うシーンなんてなかなかないですよ。安全にパンチが打てて、安全に蹴れて、安全に転べてお芝居ができる。そして何よりもカメラワークを理解する。それさえできれば、アクション俳優です。

ひとつめは「距離感」です。自分で決めた位置に向かって、どんな角度からどんな勢いで走ろうが歩こうが、目的の場所を見ずに距離を保って、同じ距離感で止まれるようにする。それが一番大事です。
テンションが上がると、その距離感を詰めちゃうんですよ。そうするとパンチが届いてしまったり、滑って転んじゃったりしてしまうし、転んだ時に相手にパンチも身体も当たってしまう。

2つ目に「姿勢」ですね。猫背になってしまっている人にアクションはできません。背中が丸まっている状態だと首もお腹もリアクションが取れないから、真っ直ぐに立っていられるようになること。
それから3つ目として、「柔軟性」も大事です。

そう。足をグキッとしたとき、足首が柔らかければ捻挫になりにくいけど、硬いと骨折までいっちゃいますよね。自分の身を自分で守るという意味でも、柔軟が必要です。
そして最後の4つ目が、「観察力」。

身体を自在に操れないといけないので、自分を観察すること。動いたときに「今、肘が外側に出てるな」というのが自分で理解できなければ、いくら「まっすぐ打ち込んで」と言われても直らない。自分の体をどう扱えるか、常に自分と相談することです。
そのためにも、2つ目の「姿勢」が重要なんですよ。最近の若い子は、まっすぐに立てない子が多いです。右の骨盤がズレて右足が短くなってたりすると、骨盤を治すところから始めないといけない。自分の身体がどうなってるのか、これはアクション俳優を目指している人じゃなくても大事だと思います。

想像力を養って、記憶することですね。

悲しい経験をしたら、逐一身体と感情に記憶させるんです。そうすれば「このときの悲しみには、これくらいの呼吸だった。あのときはもっと悲しかった、その時の呼吸はどうだったか」と思い出して、蘇らせることができる。
そこにプラスして、想像したなかで一番悲しいことを上乗せするんですね。「あってほしくないことが起きたらどう感じ、どんな呼吸でどんな姿勢だったか」を想像するんです。これをいつも生徒さんにも言っています。

記憶はほんとうに大事。自分自身を常に観察して、何かあると「今すごく嬉しくてすごく楽しいけど、周りからはどう見えるんだろう？」と鏡で顔を確認します。
「今は悲しいけど、そういうときはこのくらい口角が下がるんだな」とか、そういうことを覚えて再現する。自分に起こった感情をすべて覚えていくんです。

職業病なんでしょうね。もともと父に「強くなるために観察しろ」って言われたんですよ。「道端で歩いている人がいたら、歩き方から何発そいつに打ち込めたか想像しろ」「座ってるときに、後ろからいきなり殴りかかられたらどう受けるか、シミュレーションしろ」って。小さいときからそれを繰り返した結果として、芝居の道に来ちゃった。

みんなそうだと思ってたから、ウチだけだったと知って衝撃でした（笑）。

体全部を使った表現であることですね。打撃を受けた瞬間、達人だったらどれくらいスッと受け流せるか、弱い人ならどんなふうに「ウッ」となるか、身体全部を使った表現がキャラクターの演じ分けになる。髪の毛の先まで使えるようになりたいくらいです。自分がパッと動いたときに髪の毛が遅れてファサッとなったら最高だな、とか考えます。

自分が持っている表現を、どこまでも具現化するのにはアクションが最適だと思うんですよ。まつげ1本すら自分が良いように扱いたいですね。

アクションの地位の向上と、女性でアクションができる人を増やすことです。
前者は、お金や労災の面も含めてですね。後者はさっきも少し話しましたが、アクションを仕事にしている女性は本当に少ないんです。需要は増えているのに、全然足りていません。私がこの仕事を始めた頃に比べれば人数は増えているけど、アイドルや女優のボディダブルをやれるような体型の人が少ないんですよね。それは結局、女性が見て「私もやりたい！」って思うような作品が少ないからなのかな、と。そして、女性がアクションする作品が少ないのも寂しいです。

そうですよね。でもワークショップをやると女性のほうが最初は「やだ〜」とか言ってるのに途中からめちゃくちゃやる気になることが多いんです。逆に男性は最初はやる気満々なのに、途中から「ちょっと……」ってなってる（笑）。
活躍できる場所さえ見えていれば、女性のアクション人口はもっと増えると思うんです。だから今、テアトルの映画撮影クラスでは女性を主人公にして、年齢関係なく3カ月でアクションを磨いてアクション映画を撮る企画をやっています。

私にできる最大のことは、安全なアクションの指導です。アクション人口を増やすめに、楽しくアクションを通してお芝居の表現を学べるようにしたい。そのためにアクション撮影クラスを開講しました。それを単館上映や配信する予定なんです。観た人が「自分もやってみたい」と思うような作品をつくっていき、女性や子どもが活躍するアクション作品を多く作っていきたいですね！